Gerçekliğin diğer tarafında. Soyut fotoğrafçılık

Geçen yüzyılda soyut hareket sanat tarihinde gerçek bir atılım haline geldi, ancak bu oldukça doğaldı - insanlar her zaman yeni formlar, özellikler ve fikirler arayışındaydı. Ancak yüzyılımızda bile bu sanat tarzı birçok soruyu gündeme getiriyor. Soyut sanat nedir? Bu konuyu daha detaylı konuşalım.

Resim ve sanatta soyut sanat

Modaya uygun soyutlamacılık Sanatçı konuyu yorumlamak için şekiller, konturlar, çizgiler ve renklerden oluşan görsel bir dil kullanıyor. Bu, konunun daha edebi bir yorumunu benimseyen ve "gerçekliği" aktaran geleneksel sanat formlarıyla tezat oluşturuyor. Soyutlamacılık klasik güzel sanatlardan mümkün olduğu kadar uzaklaşır; nesnel dünyayı gerçek hayatta olduğundan tamamen farklı bir şekilde temsil eder.

Soyut sanat, gözlemcinin duygularına olduğu kadar zihnine de meydan okur - bir sanat eserini tam olarak takdir etmek için gözlemcinin kendisini sanatçının ne söylemeye çalıştığını anlama ihtiyacından kurtarması, ancak tepki duygusunu kendisi için hissetmesi gerekir. Yaşamın tüm yönleri soyut sanat yoluyla yorumlanmaya açıktır; inanç, korkular, tutkular, müziğe veya doğaya verilen tepkiler, bilimsel ve matematiksel hesaplamalar vb.

Sanattaki bu hareket 20. yüzyılda kübizm, gerçeküstücülük, dadaizm ve diğerleriyle birlikte ortaya çıktı. tam zamanı Bilinmeyen. Resimde soyut sanat tarzının ana temsilcileri Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka ve Piet Mondrian gibi sanatçılar olarak kabul ediliyor. Yaratıcılıkları ve önemli tabloları hakkında daha fazla konuşacağız.

Ünlü sanatçıların resimleri: soyut sanat

Vasiliy Kandinsky

Kandinsky soyut sanatın öncülerinden biriydi. Araştırmasına empresyonizmle başladı ve ancak daha sonra soyutlama tarzına ulaştı. Çalışmalarında izleyicinin hem görüşünü hem de duygularını kucaklayan estetik bir deneyim yaratmak için renk ve biçim arasındaki ilişkiden yararlandı. Tam soyutlamanın derin, aşkın ifadeye alan sağladığına ve gerçekliği kopyalamanın yalnızca bu sürece müdahale ettiğine inanıyordu.

Resim yapmak Kandinsky için son derece manevi bir anlam taşıyordu. Fiziksel ve kültürel sınırları aşacak soyut şekil ve renklerden oluşan evrensel bir görsel dil aracılığıyla insani duyguların derinliğini aktarmaya çalıştı. O gördü soyutlamacılık sanatçının "içsel gerekliliğini" ifade edebilen, insani fikir ve duyguları aktarabilen ideal bir görsel mod olarak. Kendisini, misyonu bu idealleri toplumun yararına dünyayla paylaşmak olan bir peygamber olarak görüyordu.

"Bileşim IV" (1911)

Parlak renkler ve net siyah çizgilerle gizlenmiş, mızraklı birkaç Kazak'ın yanı sıra tekneler, figürler ve bir tepenin üzerinde bir kale tasvir ediliyor. Bu döneme ait birçok resim gibi bu da sonsuz barışa yol açacak kıyamet savaşını hayal ediyor.

Kandinsky, On the Spiritual in Art (1912) adlı çalışmasında anlatıldığı gibi, nesnel olmayan bir resim tarzının gelişimini kolaylaştırmak için nesneleri piktografik sembollere indirger. Kandinsky, dış dünyaya yapılan çoğu göndermeyi ortadan kaldırarak vizyonunu daha evrensel bir şekilde ifade etmiş, konunun manevi özünü tüm bu formlar aracılığıyla görsel bir dile aktarmıştır. Bu sembolik figürlerin çoğu daha sonraki çalışmalarında tekrarlandı ve geliştirildi, daha da soyut hale geldi.

Kazimir Malevich

Malevich'in sanatta biçim ve anlam hakkındaki fikirleri, bir şekilde soyut sanat üslubu teorisi üzerinde yoğunlaşmaya yol açmıştır. Malevich'in çalıştığı farklı stiller resimde, ancak en çok saf geometrik şekillerin (kareler, üçgenler, daireler) ve bunların resimsel alanda birbirleriyle olan ilişkilerinin incelenmesine odaklandı.

Malevich, Batı'daki bağlantıları sayesinde resim hakkındaki fikirlerini Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'ndeki sanatçı arkadaşlarına aktarmayı başardı ve böylece modern sanatın evrimini derinden etkiledi.

"Kara Kare" (1915)

İkonik tablo “Kara Meydan” ilk kez Malevich tarafından 1915'te Petrograd'daki bir sergide gösterildi. Bu çalışma, Malevich'in "Kübizm ve Fütürizmden Süprematizme: Resimde Yeni Gerçekçilik" adlı makalesinde geliştirdiği Süprematizmin teorik ilkelerini somutlaştırıyor.

İzleyicinin önündeki tuvalde beyaz zemin üzerine çizilmiş siyah kare şeklinde soyut bir form var - kompozisyonun tek unsuru bu. Tablo basit görünse de siyah boya katmanlarının arasından görülebilen parmak izleri ve fırça darbeleri gibi unsurlar bulunmaktadır.

Malevich'e göre kare duyguları, beyaz ise boşluğu, hiçliği simgeliyor. Siyah kareyi, sanki figüratif olmayan sanat için yeni bir kutsal imge haline gelebilecekmiş gibi tanrısal bir varlık, bir simge olarak gördü. Hatta sergide bu tablo, genellikle bir Rus evinde ikonun yerleştirildiği yere yerleştirildi.

Piet Mondrian

Hollanda De Stijl hareketinin kurucularından biri olan Piet Mondrian, soyutlamalarının saflığı ve metodik uygulamalarıyla tanınıyor. Gördüklerini doğrudan değil mecazi olarak temsil etmek, tuvallerinde net ve evrensel bir estetik dil yaratmak için resimlerindeki unsurları oldukça radikal bir şekilde basitleştirdi.

Mondrian, 1920'lerdeki en ünlü resimlerinde formlarını çizgilere ve dikdörtgenlere, paletini ise en basitine indirgemişti. Asimetrik dengenin kullanımı modern sanatın gelişiminde temel hale geldi ve ikonik soyut çalışmaları tasarımda etkili olmaya devam ediyor ve günümüzün popüler kültürüne aşina.

"Gri Ağaç" (1912)

"Gri Ağaç" Mondrian'ın stile erken geçişinin bir örneğidir soyutlamacılık. Üç boyutlu ahşap, yalnızca griler ve siyahlar kullanılarak en basit çizgilere ve düzlemlere indirgenir.

Bu resim Mondrian'ın daha gerçekçi bir yaklaşımla yarattığı, örneğin ağaçların natüralist bir şekilde temsil edildiği bir dizi eserinden biridir. Daha sonraki çalışmalar giderek daha soyut hale gelirken, örneğin bir ağacın çizgileri, ağacın şekli neredeyse fark edilemeyecek hale gelinceye ve dikey ve yatay çizgilerin genel kompozisyonuna göre ikincil hale gelinceye kadar azaltıldı.

Burada Mondrian'ın hatların yapılandırılmış organizasyonunu terk etme konusundaki ilgisini hâlâ görebilirsiniz. Bu adım Mondrian'ın saf soyutlamayı geliştirmesi açısından önemliydi.

Robert Delaunay

Delaunay soyut sanat tarzının ilk sanatçılarından biriydi. Çalışmaları, renklerin karşıtlığının neden olduğu kompozisyon gerilimine dayanarak bu yönün gelişimini etkiledi. Hızla neo-empresyonist renk etkisi altına girdi ve soyutlama tarzındaki eserlerin renk şemasını çok yakından takip etti. Renk ve ışığın, dünyanın gerçekliğini etkileyebilecek ana araçlar olduğunu düşünüyordu.

1910'a gelindiğinde Delaunay, katedralleri ve Eyfel Kulesi'ni tasvir eden, kübik formları, hareket dinamiklerini ve parlak renkler. Renk uyumunu kullanmanın bu yeni yolu, stilin Orfizm olarak bilinen Ortodoks Kübizm'den ayrılmasına yardımcı oldu ve Avrupalı ​​​​sanatçıları hemen etkiledi. Delaunay'ın eşi sanatçı Sonia Turk-Dolone de aynı tarzda resim yapmaya devam etti.

"Eyfel Kulesi" (1911)

Delaunay'ın ana eseri Fransa'nın ünlü sembolü Eyfel Kulesi'ne ithaf edilmiştir. Bu, 1909 ve 1911 yılları arasında Eyfel Kulesi'ne ithaf edilen on bir resim serisinin en etkileyicilerinden biridir. Parlak kırmızıya boyanmış, bu da onu çevredeki şehrin griliğinden hemen ayırıyor. Kanvasın etkileyici boyutu bu binanın ihtişamını daha da artırıyor. Kule, bir hayalet gibi çevredeki evlerin üzerinde yükseliyor ve metaforik olarak eski düzenin temellerini sarsıyor.

Delaunay'ın tablosu, henüz iki dünya savaşına tanık olmamış bir zamanın sınırsız iyimserliğini, masumiyetini ve tazeliğini yansıtıyor.

Frantisek Kupka

František Kupka, bu tarzda resim yapan Çekoslovak bir sanatçıdır. soyutlamacılık Prag Sanat Akademisi'nden mezun oldu. Öğrenci olarak öncelikle vatansever temalar üzerine resim yaptı ve tarihi kompozisyonlar yazdı. İlk çalışmaları daha akademikti ancak tarzı yıllar içinde gelişti ve sonunda soyut sanata dönüştü. Oldukça gerçekçi bir üslupla yazılan ilk eserleri bile, soyutlamalar yazarken de devam eden mistik gerçeküstü temalar ve semboller içeriyordu.

Kupka, sanatçının ve eserinin, doğası gereği mutlak gibi sınırlı olmayan, sürekli bir yaratıcı faaliyet içinde yer aldığına inanıyordu.

“Amorpha. İki renkli füg" (1907-1908)

1907-1908'den başlayarak Kupka, sanki topla oynayacak ya da dans edecekmiş gibi elinde bir top tutan bir kızın bir dizi portresini çizmeye başladı. Daha sonra giderek daha şematik görüntüler geliştirdi ve sonunda tüm seriyi aldı. soyut çizimler. Kırmızı, mavi, siyah ve beyazdan oluşan sınırlı bir palette yapıldılar.

Bu soyut çalışmalardan biri, 1912 yılında Paris'te ilk kez Salon d'Automne'da halka açık sergilendi.

Soyutlama tarzı, 21. yüzyılın resminde popülerliğini kaybetmiyor - modern sanat severler, evlerini böyle bir şaheserle dekore etmekten çekinmiyorlar ve bu tarzdaki eserler, çeşitli müzayedelerde muhteşem meblağlar karşılığında çekiç altına giriyor.

Aşağıdaki video sanatta soyutlama hakkında daha fazla bilgi edinmenize yardımcı olacaktır:

Moskova kültürel ortamında soyut fotoğrafçılıkla şaşırtmak zordur, ancak aynı zamanda tanınabilecek ve kendini yüksek sesle ilan edebilecek istikrarlı bir yön de yoktur. Bunun nedeni herhangi bir şey olabilir ama olağanüstü fotoğrafçıların eksikliğinden değil, özellikle de Moskova'dan bahsediyorsak. Bu makale bu yöndeki mevcut bilgi eksikliğini gidermeye yönelik bir girişimdir. Belki de alışılmadık bir şeyden korkmaya o kadar alışmışız ki, herhangi bir alanda yerleşik çerçevelerin dışına çıkma girişimleri isyan ve düşmanca bir şey olarak algılanıyor.

Soyutlama ve özellikle soyut fotoğraf, sanatçıyı engelleyen zincirlerin tam anlamıyla normun reddidir. Bu, örneğin Man Ray, Georgie Kepes ve Moholy-Nagy'nin sanatıydı. Bir noktada alışılagelmiş türlerin içinde sıkışıp kaldıklarını hissettiler ve sonsuz manzara ve portrelerden kaçmak istediler. Fotoğrafın kendisi de çok geçmeden solarizasyon, fotogram, izohelyum ve otografi gibi görüntü üretmenin benzersiz yöntemlerini geliştirdi. Ve şimdi, görüntü işleme için muazzam olanaklar sağlayan dijital teknolojilerin gelişiyle birlikte, fotoğrafa yönelik bir çılgınlık görüyoruz, ancak aynı zamanda soyut sanat da elit ve erişilemez bir şey olmaya devam ediyor. Modern fotoğrafçılık 21. yüzyılın hızında gelişiyor ve halkın olgunlaşmasını sabırsızlıkla bekliyor. Bu bağlamda yakın zamanda Moskova'da kurulan Soyut Fotoğraf Derneği “Ecole d`essai photo” genel eğilimden farklı olması nedeniyle dikkat çekiyor.

Sekiz fotoğrafçı “Ecole d`essai photo” himayesinde birleşti ve bu birlik yeni üyelerle doldurulmaya devam ediyor. Nispeten Kısa bir zaman Her biri başkentin kültürel yaşamına yeni bir modern fotoğraf ve soyutlama anlayışı getiren üç sergi şimdiden gerçekleşti. Mart 2016'da eserleri Zverev Çağdaş Sanat Merkezi'nde, Mayıs ayında LitKabinet galerisinde ve Ağustos ayında Merkezi Mimarlar Evi'nde sergilendi.

Derneğin Üyeleri: Georgy Avetisov, Victor Vinokurov, Alexander Gusev, Dmitry Zolotarev, Vladimir Alexandrov, Anna Basova, Svetlana Ivushkina, Alla Andersen - eserleri benzersizdir ve yeni formlar arama ve yeni anlamlar verme konusundaki ortak arzularıyla öne çıkarlar. yerleşik olanlara. Soyut sanatı çeken nedir ve modern sanatçılar izleyiciye ne aktarmak istiyor? Bunu biraz anlamak için Derneğin bazı üyeleriyle yapılan bir röportajı dikkatinize sunuyoruz: Georgy Avetisov, Dmitry Zolotarev, Anna Basova.

Georgy Avetisov ile röportaj (Moskova Devlet Kültür ve Kültür Üniversitesi mezunu, müzisyen, fotoğrafçı, Rusya Sanat Akademisi üyesi)

Merhaba Georgy. Fotoğraf Derneği'nin kurucusu olarak sizden bahsediyorlar, o yüzden hemen bununla ilgili birkaç temel soruyu sormak istiyorum. Aynı zamanda olağan iletişim formatının uygun olmayabileceğinden de korkuyorum. Sonuçta, bir fotoğrafçı genellikle kamerayı dünyaya kendisinden bahsetmenin bir yolu olarak kullanır ve şimdi biz de aynısını yapmaya çalışacağız, ancak röportaj türünde. Bir fotoğrafçının yaratıcılığını bu şekilde ifade edebilmesi için konuşabileceği en iyi şey nedir? Sonuçta, doğrudan sorular her zaman bilincin ince motiflerini yansıtmaya uygun değildir ve herkes açık ve kesin bir cevap olmaya hazır değildir.

Öyle ya da böyle, her yaratıcı dünyaya kendi içinde ne olduğunu anlatır. Sadece hikayenin biçimini seçiyor. Bir sohbette dünya vizyonunuzu bu şekilde ifade edebileceğinizi düşünmüyorum. Kelimeler genellikle boştur veya tam tersine röportaj sanat tarihi veya felsefi terimlerle doludur. Bundan kaçınmaya çalışıyoruz ve yaratıcılık hakkındaki sohbete herhangi bir ek edebi zevk katmamaya çalışıyoruz. Dünyaya bakışınız, son bir çözümleme yapılmadan, ister ipucu ister küçük bir ipucu olarak fotoğraflarda sergilenmelidir.

İyi. Gereksiz “güzellik” olmadan konuşmaya çalışalım ama doğrudan soralım: soyut bir şey yaratma arzusu ne zaman ortaya çıkıyor? Bu türdeki ilk deneyiminiz neydi?

Arzu neredeyse her zaman oradadır, ancak siz her zaman arkanıza bakmadan bu beklenmedik dünyaya dalmanıza izin verebileceğiniz o ilham verici durumda değilsiniz. Pek çok şey önümüze çıkıyor: nesnelerin olağan şekli, gelenekler, düşüncenin ataleti, şüpheler - işe yarayacak mı? Evet. Her zaman şüpheler vardır: Bu doğru görüntü mü, içinde herhangi bir iç içerik ve gelişme var mı? Ama kendinizi “bıraktığınızda” görmeye başlarsınız.

Henüz film çekerken soyut doğayla başladım. Bireysel yaprakların, dalların, çimenlerin durumu ve genellikle kendi türlerinin milyonlarcası arasında görünmeyen bireysellikleri beni büyülemişti. Üç yıl boyunca fotoğrafları özenle seçerek fotoğraf çektim.

Büyük ve oldukça ortaya çıktı sıradışı seri. Onunla ilgili her şey çok havadar, bakir ve şiirsel. Karakter olarak empresyonizme yakındır, böylesi doğal grafikler ve ışık ve renk oyunları. Daha sonra bu yönde çalışmaya devam etmeye çalıştım ama meğerse her şeyi orada bulmuştum ve kendini tekrarlamalar çoktan başlamıştı. Sadece iki yıl sonra, beklenmedik bir şekilde, günlük koşuşturma içinde görünmeyen pek çok ilginç malzeme keşfettiğim şehre taşındım. Bu Paris'te oldu. Zaten Moskova'dayken görüntülere baktım ve burada yeni bir şeyler olduğunu fark ettim. Düşünmeye ve üzerinde çalışmaya başladım. İlk kentsel soyutlamalarım böyle ortaya çıktı.

Rusya'da 21. yüzyılda bile herkes soyut sanatı algılayamıyor. İdeal soyut fotoğraf uzmanı nasıl bir algıya sahip olmalı ve onu nasıl bir estetik etkinin etkilemesi bekleniyor? Orada manevi bir unsur var mı?

Soyut sanat Avrupa'da çok popüler. En azından apartman ve evlerin duvarlarının dekorasyonu açısından. Burada işler çok daha kötü. İnsanlar tanınabilir bir şeyler görmek istiyor: portreler, natürmortlar, manzaralar, şehir manzaraları. Soyut fotoğraflara bakmak için özel bir hassasiyete sahip olmanıza gerek olduğunu düşünmüyorum. Bunların hepsi fantezi ve duygu düzeyinde. Sonuçta, çalışmalarımızın çoğu, kişiyi fantezinin sınır tanımadığı ve her gün alışılmadık ve heyecan verici bir şey keşfettiğiniz belirli bir ilkel duruma veya çocukluğa yönlendiriyor.

Şimdi manevi hakkında. Bu zor bir soru. Size komik bir hikaye anlatabilirim. Yaklaşık üç yıl önce soyut doğa serimle Moskova galerilerini dolaştım ve bir sergi düzenlemeyi teklif ettim. Ve bir galeri sahibinden çalışmalarımla ilgili şu sonucu duydum: "Güzeller, samimiler ama manevi değiller." Dilediğiniz gibi anlayın!

Soyut resimde sanatın ana nesneleri, sanatçının dünya vizyonunu aktardığı figür (kübizm, geometrik soyutlama) ve renk (rayonizm, süprematizm) idi. Soyut fotoğraf dünyanın hangi evrensel modelini ifade ediyor?

Açıklığa kavuşturmamız gerekiyor. Soyut resimde figürler yoktur ama geometrik şekiller Ve renk kombinasyonları. Süprematizm, çok renkli düzlemlerin ve yine en basit geometrik şekillerin - çizgi, kare, üçgen, daire - kombinasyonlarıyla karakterize edilir. Gördüğünüz gibi renk ve çizgiler ön planda. Aynı şey soyut fotoğrafçılık için de geçerlidir. Elbette kamera butonu sanatçının fırçası ve eliyle aynı seviyeye yerleştirilemez. Bu bakımdan fotoğrafçının dünya görüşünü sergilemesi çok daha sınırlıdır. Bu nedenle yardım istiyor teknik işleme Görüntüler. Bunun analog bir fotoğraf stüdyosunda mı yoksa ev bilgisayarında mı yapıldığı önemli değil. Ve hiç yok evrensel modeller barış. Fotoğrafçı yalnızca duygularına, deneyimine, gelişmiş zevkine ve eğitimine güvenir. Örneğin, teknik bir fotoğrafçının dünyasının, müzisyen bir fotoğrafçının dünyasına göre daha yapılandırmacı olma ihtimali daha yüksektir. Daha fazla duygu ve doğaçlama olacak.

Bu durumda hemen şu soru ortaya çıkıyor: Soyut fotoğrafçılıkta size en yakın temalar hangileri?

Bazen farklı şehirlerde keşfettiğim, bazı mesajları birdenbire bulma ve deşifre etme oyunu beni büyülüyor. Kural olarak, bunlar bazı hayvanların ipuçlarıdır veya bir boya katmanından zar zor görülebilen yüzler veya bir tür gerçek uzay savaşları veya metal veya taş yüzeyler üzerindeki İncil'deki sahnelerdir. Kısa ömürlüdürler ve aynı yeri bir daha ziyaret ettiğinizde hiçbir şey bulamama riskiyle karşı karşıya kalırsınız. Bu nedenle her küçük ayrıntıya özellikle dikkat etmeniz gerekiyor.

Eserleriniz sergilendi mi ve sergileriniz halk tarafından nasıl karşılandı?

Halihazırda hepsi 2016 yılında olmak üzere üç sergi düzenledik. İlginin büyük olduğunu rahatlıkla söyleyebilirim. Birçoğunun kafası karışmıştı: Bu nedir, nasıl, böyle bir hayal gücü, bu kadar alışılmadık teknikler nereden geliyor? En iyi yanı, oldukça deneyimli fotoğrafçıların, bu işi üstlenmemize ve böylesine karmaşık bir tür olan soyut fotoğrafçılıkta fantezilerimizi başarıyla gerçekleştirmemize hoş bir şekilde şaşırmalarıydı. Herkes bize başarılar diledi, bu da cesaret verici.

Onları anlıyorum. Ayrıca çalışmanıza daha derinlemesine “nüfuz etmek” istiyoruz. Örneğin şunu anlayın: Bir fotoğraf, yakalanmış bir anı veya ilham alınan bir ruh halini ima eder. büyük bir bölüm zaman?

Bu ne bir an, ne de bir ruh hali. Bir hikaye bulursam uzun süre durup ona bakabilirim, içinde saklı olan içeriği anlamaya çalışırım. Daha sonra doğru ışığın gelmesini bekleyebilir, bir çekim yapabilir ve on dakika sonra bir tane daha çekebilirim.

Bunca zamandır son versiyonda nasıl görüneceğini düşünüyorum. Bazen cevap hemen gelmez ve bunu evde çözmeniz gerekir. Çoğu zaman, arsanın zaten bir ruh hali vardır, aksi takdirde buna dikkat etmezsiniz ve yeni bir şey aramak için caddede ilerlersiniz.

“Yapıbozum ß” sergisinde fotoğraftaki tanıdık nesneleri tanımaktan kaçınmaya çalıştığınızı söylemiştiniz: evler, gündelik yaşam, yüzler; Bunun geleneksel yaratıcılıktan uzaklaşmanın bir yolu olduğundan bahsedin. Yaratıcı güdüleriniz daha çok çevredeki gerçekliğin reddedilmesi mi, yoksa daha çok yeni gelişim yolları arayışı mı?

Gerçeklik artık kimseyi ilgilendirmiyor. İnsanların Instagram'daki görselleri nasıl çarpıttığına bir bakın. Ev ve gündelik fotoğraflara bile çizgiler, noktalar, sıyrıklar, görüntü kırılmaları ekliyorlar, rengi değiştiriyorlar, görüntüyü sepyaya veya s/b'ye çeviriyorlar... Herkes ödeşmek istiyor düzenli fotoğrafçılıközgün, farklı bir şey. Bunu hazır eklentileri kullanarak anında yapıyorlar. Sadece eğleniyorlar ve bunda hiçbir arama yok. Arama, diyelim ki danstan şarkıya, şarkıdan müziğe gittiğinizde başlar. Fotoğrafçılık uzun zamandır temel işlevlerini yerine getirmeyi bıraktı; belgesel bir şeyin iletimi. Dolayısıyla bu türü geliştirmenin yeni yollarını aradığımızı söyleyebiliriz.

Soyut fotoğrafçılıkta klişeler hakkında ne düşünüyorsunuz? Sanatçının bireysel dünya görüşünü ele alırken bu ne şekilde mümkün olabilir?

Klişelerle soyut fotoğrafçılığın birbirine karışmadığına eminim. Modern dünyada, bilgi bolluğu nedeniyle (çok sayıda fotoğrafçı ve fotoğraf dahil) tekrarlardan kaçınmanın zor olduğunu kabul ediyorum. Kalıplaşmış kalıpları takip etmek bir fotoğrafçının başarıya daha hızlı ulaşmasını sağlıyorsa, bu onun yoludur. Elbette bağımsız bireysel bilinç tamamen imkansız. Belki de sadece ıssız bir adada... Hepimiz film, resim, fotoğraf izliyoruz. Burada kendinize karşı dürüst olmanız ve başkalarını gözetlemenize, hayali popülerlik uğruna taviz vermenize izin vermemeniz önemlidir.

Soyut fotoğrafçılık olmasaydı dünya ne kaybederdi?

Bunu kaybetmesi mümkün olmayacaktır çünkü soyut düşünme yeteneği, ayırt edici özellikleri kişi.

Dmitry Zolotarev ile röportaj (Moskova Devlet Üniversitesi mezunu, restoratör, Devlet Tarih Müzesi fotoğrafçısı)

Dmitry, merhaba. Soyut fotoğrafçı olarak tanınıyorsunuz ama aynı zamanda Devlet Tarih Müzesi'nde profesyonel olarak restorasyon işleriyle de ilgileniyorsunuz. Hobiniz nedir ve hayatınızın işi nedir?

Hayatta zaten üç şey vardı: Jeoloji, profesyonel fotoğrafçılık ve restorasyon. Ve bu faaliyetlere paralel olarak, her zaman “ruh için” bir fotoğraf tutkusu vardı: araştırmacı, sorumsuz, iyi anlamda.

Şu anda gençleri “ruh” için herhangi bir şeyle, özellikle de birkaç alanda aynı anda büyülemek zor. Sizi tanıdığımızdan başka etkinliklerin de olduğunu tahmin edebiliriz. Çünkü o dönemde çocuklar çeşitli kulüp ve bölümlerde aktif olarak yer alıyordu. Bunlardan geriye kalan ve yaratıcı yolunuzu etkileyen ne oldu?

Pek çok akranım gibi biz de 1950'lerde babalarımızın ve dedelerimizin rehberliğinde fotoğrafçılık eğitimi almaya başladık. lise. Büyükbabalar bize çekilmiş Alman kameralarını verdi ve babalar bize değerli Zenitlerini ve Federallerini dikkatlice verdi. Ama biz fotoğrafçılığı bir meslek olarak hayal etmedik. Peki o halde 70-80'lerde bir fotoğrafçıyı bir denizci, yazar, fizikçi, rock müzisyeni, diplomat, doktorla karşılaştırmak nasıl olabilir? Bu neslin erkek çocukları için diğer hobiler yaygındı. Okumak, müzik, havyalar, ampuller, pullar, kızlar, hokey, akvaryumlar vb. Muhtemelen yaşanmış herhangi bir deneyim, yaratıcılık da dahil olmak üzere seçilen yolları bir dereceye kadar etkiler.

Çalışmanız nasıl karakterize edilebilir - içsel bir durumun bir tür anlık yansıması mı, yoksa belirli bir süre içinde düşünülmüş ve yaratılmış, verilen yaratıcı görevleri yerine getiren katı bir şekilde inşa edilmiş bir kompozisyon olarak mı?

Hiç şüphe yok ki “Yeni Kaleydoskop” serisinin tüm eserleri doğaçlamadır “bir dakika dur!” Projenin fotoğraf teknolojisi her görüntüyü benzersiz ve anlık kılıyor. Çerçeve yalnızca belirli bir andaki içsel durumun bir yansımasıdır. Bir gün sonra, örneğin olay örgüsü tamamen farklı bir renk versiyonunda yürütülebilir.

Sanat nesnelerini algılayan kişi, soyut sanatta bile her zaman herhangi bir eserde mantıksal motifler arar. Her eserin iç mantığını hissediyorsunuz ancak ortaya çıkan duyguyu dille aktarmak oldukça zor. Bana öyle geliyor ki belli bir çatışma var - şekiller, renkler, çizgiler ama bu arada her fotoğraf kendi anlamını ifade ediyor. Bunu açıklayabilir misiniz, yoksa yazarın niyetinin o kadar da önemli olmadığı bir durumda, fotoğraflarınız izleyiciyle başka bir şekilde etkileşime giriyor mu?

Doğrusunu söylemek gerekirse fotoğraf çekerken anlam aramıyorum. Eğer görüntüdeki her şeyin birleşimini beğeniyorsam kameranın deklanşör tuşuna basıyorum. Bazen bazı çağrışımlar ortaya çıkıyor ama çerçeveyi onlara göre ayarlamıyorum. Zorlamıyorum. Ne kendime ne de olası izleyiciye bir anlam yüklemiyorum. Kural olarak, her izleyici resimde kendi imajını görür ve buna şaşırmayı severim. Ben dahil pek çok kişi eserlerde bir anlam bulamıyor. Fotoğraf kağıdı düzlemindeki her şeyin birleşimini seviyoruz. Bu bir tür analizi kapatma oyunudur. Çalışmayı seviyorum ama nedenini tam olarak açıklamak zor. Ve bu gizem büyüleyici. Belki aşka benzer bir şey...

Soyutlamanın sıkıcı hale geldiği ve daha erişilebilir bir şey istediğiniz zamanlar var mı?

Müdahale etmiyor. Klasik fotoğrafçılık yapmaktan hoşlanıyorum: manzara, sahnelenmiş vb. Herhangi bir yaratıcı fotoğrafı, genel olarak şaşırtıcı, sakinleştirici, sonuçlarıyla üzebilen, çok şey yapabilen bir deney olarak görüyorum.

Sanat için önemli bir kriter her şeyden önce yeniliktir. Soyut fotoğrafçılıkta yeni bir şey mi arıyorsunuz? Yeni veya zaten tanınmış çalışmalara aşina mısınız?

Fotoğrafçılığın teknik yetenekleriyle ilgileniyorum, bu da çoğu zaman yeni bir görsel aracın ve hatta yeni bir yaratıcı fikrin keşfedilmesine yol açıyor. Bana ilginç gelen bir sonuçla, işten tatmin olmanın estetik kökenini anlamaya çalışıyorum. Ancak çoğu zaman bunu yapmıyorum ve sadece daha fazla deney yapıyorum.

Anna Basova ile röportaj (profesyonel fotoğrafçı, tasarımcı, TSHR üyesi)

Siz halihazırda 13'ten fazla sergiye sahip, genç ve parlak bir sanatçısınız. Bu bağlamda, yeteneğin özellikleri hakkındaki düşüncelerinizi bilmek ilginç olurdu: her şeyden önce, bu bir hediye mi yoksa işin doğal bir sonucu mu? Yetenekli bir fotoğrafçının hangi niteliklere sahip olması gerekir?

Karışık mevzu. Bana öyle geliyor ki, bunu iki faktörün birleşimi olarak düşünmek en doğrusu olacaktır: sürekli yeni şeyler öğrenme arzusu ve dolayısıyla öğrenme ve sonuçlara ulaşmak için çaba gösterme ve dünya "vizyonunuz". Örneğin, dünyadaki ilgi çekici yerlerin çok sayıda benzer fotoğrafı olduğunda, aynı nesne üzerinde her zaman yeni bir bakış açısı ve yeni bir bakış açısı bulabileceğinize her zaman şaşırmışımdır. Ancak bu her zaman kolay değildir. Bu, sanatçının bir tür “işi”dir.

Çalışmalarınızın arasında insan, şehir ve doğa temaları yer alıyor. Neden aniden soyut fotoğrafçılığı denemek istediniz?

Aslen portre ressamı olduğum ve başlangıçta illüstratif sahne fotoğrafçılığı alanında çalıştığım gerçeğini hiçbir zaman gizlemedim. Bu tercih edebiyata, sinemaya ve figüratif müziğe olan sevgiden kaynaklanmaktadır. Ancak yaratıcı alan tek boyutlu değildir. Bazen duyguları ifade etmek, yanıltıcı ve anlaşılması zor bir şeyi somutlaştırmaya çalışmak için sahneleme yeterli değildir. Dahası, biri diğeriyle aynı anda bir arada var olabilir ve hatta birbirini tamamlayabilir. Soyut fotoğraf tekniklerini portre ve seri çalışmalarında sıklıkla kullanıyorum. Bu konuda kendimi sınırlamanın bir manasını görmüyorum.

Bir gün bir kış sabahı kızımla birlikte okula yürüyordum ve kız yanlışlıkla kameranın bir tuşuna bastı. cep telefonu, güzel bir kış çekimi yakaladı: karla kaplı bir ağaç, evler, yol, tramvay, büyük kar taneleri halinde yağan karın arka planında yoldan geçenler. 9 Mayıs'taki geçit töreninde genç bir adamın, ağlayan bir gazinin rastgele bir fotoğrafını çektiği (genç adamın kendisi de selfie gibi bir şey çekmek istiyordu) ve bu fotoğrafın daha sonra bir fotoğraf yarışmasının galibi olduğu ve katıldığı bir hikaye de var. Büyük Vatanseverlik Savaşı savaşına adanmış sergilerde. Sizce fotoğraf alanındaki teknolojik sıçrama, dijitale geçiş denilen süreç, internetin ve fotoğraf editörlerinin gelişmesinin sanata nasıl bir etkisi oldu? Teknoloji amatörün aynı zamanda vizyonun hem kalitesini hem de özgünlüğünü taklit etmesine izin verirken, bir amatör bir sanatçıdan nasıl ayırt edilebilir?

Fotoğrafçılık alanında her türlü ilerlemeyi memnuniyetle karşılarım. Bu bize çeşitli şekillerde yaratıcı olmamız için daha fazla fırsat veriyor. Ancak fotoğraf editörlerinin örneğin portre fotoğrafçılığında aşırı coşkusunu tasvip etmiyorum. Ya da sadece illüstrasyon, dijital sanat olarak sınıflandırıyorum. İkinci soruya gelince, biraz sert gelebilir ama amatörü profesyonelden ayıran şey, sonucun “rastgeleliğidir”. Sokak fotoğrafçılığında profesyonel olan biri bile çerçeveye odaklanırken bir dakika içinde her şeyi fark edecek zamana sahip olacaktır: gölgenin nasıl düştüğü, ışığın hangi taraftan geldiği, parlama, çerçevenin nasıl çerçeveleneceği.

Lütfen bize soyut fotoğraf sergilerine katılımınızdan bahsedin. Hangi beklentiler karşılandı, hangi umutlar umut olarak kaldı? Daha geleneksel fotoğraf sergileriyle karşılaştırıldığında bir fark var mı?

Böyle bir beklenti yoktu. Sadece heyecan verici projelere katılmakla ilgileniyorum ve bu yönü elimden geldiğince destekliyorum. Sergiler sorunsuz geçmedi ama bu doğaldır. İnanın bana, yüzüncü kez yapılsa bile böyle bir etkinliğin hiçbiri komplikasyonsuz ve telaşsız tamamlanmaz. Aradaki fark, tanımlanması zor olan belirli bir genel ruh hali ve ruh halindedir. Aynı zamanda rahat ve felsefi. İnsanlar fikirlerini ifade etmekten ve izlenimlerini paylaşmaktan çekinmiyorlar.

Fotoğrafçılığa olan tutkunuza ne ilham verdi ve bunun mesleğiniz olduğunu ne zaman anladınız? Artık sanatı ne kadar ciddiye alabilirsiniz?

Uzun zamandır resim yapıyorum, hatta sanat fakültesine bile gittim ama olmadı. Sonra üniversite, müzik grubu. Boyama hala daha fazla zaman alıyor. Önce elime bir sabun kutusu geçti, sonra da babamın Zenit'i. Bu arada, ilerideki eğitimimi büyük ölçüde kolaylaştıran film kullanma deneyimimdi. Çünkü temel bilgileri uygulamak için bundan daha görsel bir "simülatör" olamaz. Marianna Kornilova'nın derslerini bilinçli olarak almaya karar verdiğimde girişimlerim ciddi bir hal aldı. Hemen portre fotoğrafçılığına başladım. Bireysel algı çerçevesinde sanata dilediğiniz şekilde yaklaşabilirsiniz.

Fotoğrafçılık bugünlerde çok popüler; eline en az bir kez yaratıcı dürtülere sahip bir fotoğraf makinesi almış olan pek çok kişi, hemen şu soru hakkında endişelenmeye başlıyor: Kim bununla ilgilenebilir? Bu konuda fikrinizi öğrenmek isterim: “Moda fotoğrafçısı” tabiri sizin için ne ifade ediyor ve soyut fotoğrafçılık alanında başarı öyküleri var mı?

Moda fotoğrafçısı istikrarsız bir kavramdır; bugün modasın, yarın modası geçmişsin. Ve bu Doğal süreç. Çoğu zaman bunlar para kazanan profesyonellerdir. Ve her iki yönde de çalışır. Hem fotoğrafçının kendisi hem de onu kiralayanlar ya da fotoğraf satın alanlar para kazanıyor. Soyut fotoğrafçılık alanında pek çok başarı öyküsü var: Thomas Ruff, Laszlo Moholy-Nagy, Wolfgang Tillmans (sanatın en prestijli ödüllerinden biri olan Turner Ödülü'nü aldı).

Doğayla daha fazla çalışmaya mı yoksa yakalanmış bir anı bir grafik düzenleyicide dönüştürmeye mi çalışıyorsunuz? Bu ne veriyor?

Doğa hâlâ ön planda. Hemen nihai fikrin ifadesine mümkün olduğunca yakın bir çekim yapmaya çalışıyorum. Ama eğer hayal gücüm benden bir şeyi değiştirmemi isterse, bunu reddetmem.

Bir sürü favori fotoğraf var, eğer onları getirirsen spesifik örnekler, sizi bağlantılarla dolduracağım. Hepsi farklı türlere ait. Bu sadece soyut veya portre fotoğrafçılığı değil. İçinde punktum bulunan her akılda kalıcı çekime hayranım. Bu en doğru şekilde Roland Barthes'ın "Camera Lucida" kitabında anlatılmıştır. Japon fotoğrafçıları seviyorum, her zaman benzersiz bir dünya görüşüne sahipler, sadece dışarıya değil içeriye de bakıyorlar. Salyangoz veya puf böreği, birçok alt metin.

Soyut fotoğrafçılığa olan tutkusu hakkında. Bu konuya dönüp daha detaylı konuşmaya karar verdik.

-Vlad, seni soyut konulara çeken şey ne?

Bazen en sıradan şeylerde, etrafımızdaki şeylerde beklenmedik ve çok ilginç hikayeler bulabilirsiniz, onlara baktığınızda bunun sıradan ve sıkıcı bir şey olduğunu unutursunuz ve sıradan bir şeyi yaratıcı bir çalışmaya dönüştürmenin büyüsünü görürsünüz. İlginç bir çekim kelimenin tam anlamıyla her yerde bulunabilir - evde, işte, yürüyüşte, günün saatine, aydınlatmaya ve hava durumuna bakılmaksızın. Çoğu zaman bu tür sahnelerde nesnelerin zarafeti ve özlülüğü ortaya çıkar.

Ayrıca doğada da görülebilirler - kar, su, kum deseninde, dalların dizilişinde, çimenlerde vb. Bunlar aynı zamanda insanın yaptığı şeylerde de görülebilir. Bu, asıl şeyin renk, kombinasyon ve nesnelerin göreceli düzeni olduğu bir soyutlama olabilir. farklı renkler ya da belki de asıl şeyin şekil ve geometri olduğu, rengin yalnızca asıl şeyden dikkatini dağıttığı bir çerçeve vardır ve bu durumda fotoğrafın siyah beyaz çekilmesi gerekir.

- Ne zamandır benzer hikayeleri filme alıyorsunuz ve bunlara olan ilginizin nerede başladığını hatırlayabiliyor musunuz?

İlgimin tam olarak nerede başladığını hatırlamıyorum. Doğal olarak bu oldu, diğer türlerdeki çekimlerden soyutlamalara keskin bir geçiş olmadı. Bu türden ilk fotoğraflardan birini 2004 yılında ilk 3,2 megapiksel dijital bas-çek kameramla çekmiştim. Şaşırtıcı bir şekilde, daha sonra ve daha iyi fotoğraf ekipmanlarıyla çektiğim diğer birçok fotoğrafım için söyleyemeyeceğim bu işi hala seviyorum.

Onları hemen mi görüyorsunuz, gerçekten dikkatinizi mi çekiyorlar, yoksa onları zaten çekim ve işleme sürecinde mi fark ediyorsunuz?

Bu sahnelerin çoğunu hemen görüyorum, ancak ne yazık ki bulduğum ve göstermek istediğim şeyi son karede her zaman doğru bir şekilde aktarıp somutlaştıramıyorum. Diğer türlerdeki fotoğraflar da dahil olmak üzere bazı sahneler, görüntüleri görüntülerken zaten görülebiliyor.

- Bize soyut fotoğraflarınızın coğrafyasını anlatın. Nerede yapılıyorlar?

Elimde kameranın olduğu her yerde - dairemde, yürüyüşlerde, şehirlere ve ülkelere gezilerde; Ameliyattan sonra hastanede bile can sıkıntısıyla ve hastane koridorlarının genel atmosferiyle mücadele eden böyle bir şeyi filme almaya çalıştım.

- Rus şehirleri soyut konular konusunda ne kadar cömert?

Belirli bir şehir seçemiyorum; bu tür hikayeler hemen hemen her yerde ve her zaman bulunabilir ve işe yararsa çok sevinirim. Elbette Moskova bunlar açısından zengin: çeşitlilik sayesinde mimari formlar Burada antik çağ ve 21. yüzyıl bir arada var oluyor. Başkentte soyutlama bulma konusunda özellikle iyi olan bazı fotoğrafçıları gerçekten kıskanıyorum. Gerçi bunu küçük kasaba ve köylerde yapmak benim için daha kolay.

- Özellikle soyut konular açısından zengin herhangi bir gezi veya olayı hatırlayabiliyor musunuz?

Belki de her zamankinden biraz daha fazla Komi Cumhuriyeti gezisinde onları fotoğrafladım. Syktyvkar yakınlarında bir Mart gününü hatırlıyorum: Bulutlu gökyüzü, sıfırın üzerindeki sıcaklık, yollardaki su birikintileri ve tarlalardaki kar, ilginç manzaralar açısından dikkate değer hiçbir şey yoktu. Ve böylece böyle bir tarlanın yanından geçerken aniden arabadan inip orada yürümek istedim. Yoldan aşağı indim, kendimi diz boyu karda buldum ve önümde beyaz-beyaz geniş bir ova ve koyu bulutlu bir gökyüzü, bir kar bulutu vardı. Bu boşluk, kontrast, ışık-karanlık dengesi çok hoşuma gitti, ortada ufuk çizgisiyle tuhaf iki renkli bir çekim yapmak istedim.

- Soyut fotoğrafçılıkta rol modeliniz var mı?

Çeşitli yazarların soyut çalışmalarını gerçekten seviyorum; bazılarını yayınlardan, fotoğraf sitelerinden, bazılarını kişisel olarak tanıyorum. Ama taklit etmeyi sevmiyorum ve yapmamaya çalışıyorum. Fotoğrafçı ruhunun bir kısmını, görüşünü resmetmeye çalışır; Eğer farklıysak ve her birimiz kendimize ait, eşsiz bir şey yaratabiliyorsak neden onu taklit edeyim ki? İnsanların hepsi farklıdır ve bu harika.

Geçenlerde bana bir fotoğrafın iki ilginç yazarın (Hiroshi Sugimoto ve Mark Rothko) bir dizi çalışmasına benzediği söylendi. Bir yandan tanınmış ustalardan biriyle fikrin aynı yöne gitmesi güzel, diğer yandan birinin zaten benzer bir şeye sahip olması utanç verici, bunu bilmeme rağmen bilmiyordum. çalışmalarını görün. Bazıları sadece taklit ettiğimi düşünebilir.

- Tüm çekim boyunca soyut fotoğrafların yüzdesi nedir?

Söylemesi zor. Hiç soyut çekimlerin olmadığı çekimler oluyor ve bazen tüm çekimlerden sadece tesadüfen yapılan işler beğeniliyor. Genelde soyutlama ve geometri içeren fotoğrafları hemen hemen her zaman spontane çekerim, bir şeye bakarken aniden aklıma bir fikir gelir.

Soyut fotoğrafçılık sizin için ne anlama geliyor; fotoğrafçının gözünü göstermek, geometriyi ve şekilleri göstermek veya daha fazlasını mı?

Yazarın vizyonu, görüşünün gösterilmesi, fikrin somutlaşması. Dünyanın bir parçasını diğer insanlara kendi gözlerimle gördüğüm şekilde gösterme fırsatı. Bazı soyutlamalarda esas olan minimalizmdir ve çerçevede gerçekten saygı duyuyorum. Diğerlerinde belirli bir nesne veya renk kaosu vardır, ancak bu, bakılması ilginç olan genel, tek ve bütün bir resme katkıda bulunur. .

- Fotoğrafları çoğu durumda son işlem sırasında kırpıyor musunuz?

Çoğunlukta değil ama oluyor. Bazen kırpmadan yapamazsınız - kare bir çerçeve yapmak istediğinizde; çekim sırasında bunu hemen istediğiniz şekilde yapmak imkansız olduğunda ve içine yabancı nesneler girdiğinde.

- Soyutlamalarla da ilgilenen acemi fotoğrafçılara ne gibi tavsiyelerde bulunabilirsiniz?

Hayal kurma, arama ve yaratma arzusu bu konuda çok yardımcı oluyor. Kendiniz için çekim yapın, duygularınızı takip edin ama aynı zamanda eylemlerinizi ve istediğiniz sonucu anlayın. Sanatçıların, fotoğrafçıların, tasarımcıların ve mimarların çalışmalarını izlemek ve incelemek her zaman faydalıdır.

- Sohbetiniz için teşekkür ederiz ve size yeni çekici hikayeler dilerim!

Soyut fotoğrafın “onlara göre olmadığını”, fotoğrafın doğasına aykırı olduğunu, soyutlamanın anlamsız, anlaşılması güç, soğuk olduğunu hem siz hem de ben, fotoğraf konusunda olmasa da kültür konusunda oldukça bilgili kişilerden defalarca duyduk. ve liste uzayıp gidiyor olumsuz nitelikler genellikle anlaşılmaz ve bize uzak olanı bahşettiğimiz.

Ama bazen bir “soyutlama” çalışması izleyiciyi bir anda yakalıyor, ona açılıyor ve onu kendisiyle büyülüyor. Kural olarak, birdenbire soyut fotoğrafı takdir eden insanlar, diğer soyut sanat eserlerine bakmaya devam ederler ve o keskin ve derin keşif deneyimini bir kez daha yeniden yaşama fırsatını beklerler. Soyutlamacı mı oluyorlar? Derin bir deneyime sahip olanlar, derin bir manevi deneyime sahip insanlar gibi çoğu zaman her köşede bunun hakkında bağırmak istemezler: insanın içinde, derinlerinde, şimdiye kadar bilmediği, zor olan bir şey oluyor. Tanımlanması ve kelimelerle ifade edilmesi zor olan, önemli bir hatıra, bir hazine olarak kalan bu şeyi korumak için susuyorlar.

Ansiklopediler oybirliğiyle sanatta soyutlamanın (soyutlamanın) mecazi olmayan bir yön olduğunu, net bir olay örgüsü olmadan, resmi, soyut (Latince'den tam çeviri), gerçekliği stilize ettiğini (bazıları daha da ileri giderek stilizasyon basitleştirme sürecini çağırarak) belirtir. Fotoğrafçılıkta bu mümkün mü? bu neden fotoğrafçılıkta var? Bunun medyamızın gelişim çağındaki kültürdeki genel süreçlerle nasıl bir ilişkisi var 1?

Soyut fotoğraf, kültürel farkındalığı henüz yüz yaşına yeni girmiş bir olgudur. Ama form olarak, başka amaçlarla yaratılmış bir görüntü olarak ama aynı zamanda soyutlama fikrine de tamamen uyan bu fotoğraf çok daha eski, muhtemelen neredeyse tüm konular gibi (soyut bir konuya “anlaşılmaz” diyelim), fotoğraf var olduğu sürece ya da neredeyse var olduğu sürece var olmuştur. Talbot 2'nin tuzlu kağıtlarındaki ilk gölgeler soyutlama değilse de nedir? Burada yalnızca mucidin kendisi ve izleyiciye orada bir görüntü olduğu (a) ve bu görüntünün pencereden görünüm anlamına geldiği söylendi. ev (b), bir şey görebiliyor mu? Ancak yirminci yüzyılın kültüründe soyutlama kategorisi ortaya çıktığında, görüntülerin doğasını belirlemek için kullanılmaya başladığında, eski Talbot fotoğrafı ve "soyutlama çağı"ndan önce çekilen diğer birçok şey, yeni bağlama uyum sağlayın.

Soyutlama (görüntü biçimi) kadar eskidir. sanat. Ancak soyut (ve ikonik 3) görüntülerin tanımı olarak soyutlama, yalnızca 1910'larda Wassily Kandinsky'nin resim ve teorik çalışmalarıyla bağlantılı olarak ortaya çıkıyor 4 . Günümüzün yükseklerinden, mağaralarda insan elinin ilk görüntülerine, avcılık ve şamanizm sahnelerinin ara sıra süslemeler ve düzensiz (ilk bakışta) çizgiler ve noktalarla serpiştirildiği kaya resimlerine baktığımızda haykırıyoruz: soyutlama! Ama o öyle değildi İlkel Adam. yüzyıllar boyunca kaybolan anlamlarla doluydu. Antik görüntüler, uzay ve zamanın bağlantılı olduğu görsel bir hikaye denemesi olan proto-yazıdır; halihazırda olup bitenler (bir av sahnesi), görüntüyü "okuyan" izleyici için şimdiki zamanın bir gerçeği haline gelir ve çizgiler, Yeri, zamanı, miktarı vs. açıklamanın bir yolu.

Sanat da öyle. Uzak Doğu ve tek renkli resim ve kaligrafi, Doğu'nun görüntüleri "okuma" sistemiyle eğitilmemiş Avrupalı ​​gözü için bir soyutlamadır. estetik form kategorilerinde değerlendiriyoruz ama duruyoruz, bu görsel metinlerin eşiğini geçemiyoruz.

20. yüzyılın soyut sanatını anlamak için birçok algı teorisi oluşturuldu: Bu sanat “saf formu” etkiler, izleyiciyi (görüntüyle temas anında buna hazırsa) etkileyebilir, duygularını etkileyebilir. mecazi hafıza, hatta fizyoloji. En açık örnek- Aslen Vitebsk eyaletinden Amerikalı bir sanatçının tablosu, Mark Rothko'nun bir modernizm klasiği. Bazı soyutlama türleri (örneğin, Kazimir Malevich'in eserleri - kelimenin tam anlamıyla teorilerinin resimli bir ifadesi) bir illüstrasyon değil (beraberindeki metnin gerekli olduğunu anlamak için, onsuz illüstrasyon anlamsızdır), ancak bir görüntüdür. teorinin görsel çeviriyi bulduğu. Bu tür eserlerin derinlemesine anlaşılması için sanatçının teorik mirasının bilinmesi önemli midir? evet ama sadece değil. Soyutlamalar birer imge olduklarından tüm biçimleriyle izleyiciyi doğrudan etkilerler ancak biçim diline yabancı olan eskilerin sanatında ya da Doğu sanatında olduğu gibi kapalı bir derinlikte nesneler olarak kalırlar. Anlam. Kandinsky'nin çalışmalarının araştırmacıları (ve onlardan sonra sanatta soyutlama teorilerini genelleştiren teorisyenler), soyut bir görüntünün başlangıçta somut olduğunu, sanatçının onu yaratırken gerçeklikle temas deneyimine güvendiğini, soyutlamanın bir görüntü yorumlama biçimi olduğunu vurguluyor. Her zaman görülemeyen gerçeklik, bazen bu, sanatçının iç imgelerinin, gerçekliğe tepkisinin (biyografik gerçekler, biyografik gerçekler) bir yorumudur. Edebi çalışmalar, diğer insanlarla yapılan konuşmaları veya okunan kitapları, doğaya, şehir manzaralarına ve hatta ışığa verilen tepkileri özetlemek). Bu anlamda soyutlama kodlanmış bir mesajdır. Kodu sanatçı tarafından biliniyor, ancak anahtarı izleyiciye kelimenin tam anlamıyla aktarmanın her zaman önemli olduğunu düşünmüyor, örneğin Kandinsky'nin "Aziz George" tablosunun başlığında veya günlük girişleri şeklinde. .. Tekrar ediyorum, eğer resim taşımıyorsa soyutlama yazarın el yazısı yazısı, kişisel kullanıma yönelik notlar olarak kalacaktır. Bu, yanlış sözlerle kolaylıkla delinebilecek en ince konudur. İzleyici, görsel sanatlarda (resim, grafik, fotoğraf, sinema, heykel vb.) soyutlama niteliğindeki bir eserden net bir yanıt talep ettiğinde: Burada ne tasvir ediliyor? - tıpkı şu soru gibi, çalışmayı derinlikten mahrum bırakıyor: Ne hakkında yazılmış? müzik neyle ilgili? ya da dans neyle ilgili? - şiiri, müziği, modern baleyi anlamdan mahrum bırakır.

Fotoğrafta soyutlamanın bilinçli yaratılması Birinci Dünya Savaşı'ndan sonra başlar - Avrupa ve Rusya'da soyut sanat alanında ustalaşmış sanatçılar fotoğraf medyasıyla ilgilenmeye başladığında. Moholy-Nagy, Rodchenko, Man Ray - onlar için fotoğraf, sanatçının iletişim deneyimini aktardığı araçlardan biri haline geliyor. modern dünya. Onlar. uyumlu olacak yorum biçimlerini bulur (işte görüntü ile müzik arasında, farklı şekiller sanatlar, yirminci yüzyılın yaratıcılığının sentezi) modern insana.

Son zamanlarda Çehov Festivali, ünlü Fransız koreograf Joseph Naja'nın (bu balede kendisi de sahneye çıktı) "Sh-bo-gen-zo" 6 adlı eserini Moskova'ya getirdi. İncelemelerde bunun bir samuray ile geleneksel bir Japon hanımefendi arasındaki ilişkinin hikayesi olduğu söylendi. Sahnede, modern pantolon takımları içinde, köşeli, çarpık pozlarda erkek ve kadın iki figür, bir Sufi dansında olduğu gibi hareket ediyordu. Yeniden anlatılması zor bir olay örgüsü vardı - herhangi bir kelimeyle yanlışlığa düşme riskiyle karşı karşıyasınız; bölümler (balenin bölümleri) vardı; Geleneksel Japon tiyatrosunda olduğu gibi delici bir müzik vardı. Ama bu bir samuray ile Japon bir bayan arasındaki ilişkinin hikayesinden daha fazlasıydı: erkek ve kadın? veya aynı anda yin ve yang, özellikle de klasik metin "Sho-bo-gen-zo" Budist koanların bir koleksiyonu olduğundan, "Sho-bo-gen-zo" teriminin yorumları: "şeylerin anlamının vizyonu" Bilge Buda'nın gözüyle." Salonda transa girildiğinde yaşanan türden bir sessizlik vardı, bazı seyirciler de sessizce ağladı. Bu onların egzotik tarih tarafından ele geçirildiğinin kanıtı mıydı? Yoksa bir tahmin miydi kişisel deneyim en üst düzeyde soyutlamaya indirgenmiş bir dansa mı?

Soyutlamanın modern sanatın tanıdık dili haline geldiği 1920'lerin sonlarında, ünlü Amerikalı fotoğrafçı Alfred Stieglitz, sanat tarihine Eşdeğerlik adıyla geçen bir seri yarattı. Gökyüzü ve dallar, sadece bulutlar, ne yukarı ne aşağı, kompozisyonun tüm parçaları anlam bakımından eşittir, başlıktaki “eşdeğerlik” buradan gelir, dolayısıyla soyut sanatın ikinci dalgasının savaş sonrası Amerikan fotoğrafçılığına köprü olur. Ve Stieglitz'in aynı serisi, kişisel deneyimin, kişisel vahiylerin değerinin bir onaylanmasıdır: gökyüzü sanatçıya bir olay örgüsü olarak değil, sanatçının eşit olduğu sonsuzluk olarak gösterilir. Fotoğrafçı, Equivalence'ın yaratılmasından kısa bir süre önce kişisel bir galeri olan Intimate Gallery'yi açtı. Pratikliğe bulaşan araştırmacılar, ismin tuhaflığını galeri için ayrılan küçük odanın büyüklüğüyle açıklıyor. Ancak mesele farklı: 20 yıllık deneyime sahip bir galeri sahibi olan Stieglitz (geçmişteki beyin çocukları, dergi ve galeri Camera Work, daha sonra New York'taki 291 galerisiydi), Atlantik'in her iki yakasındaki çağdaş sanattaki en son deneyleri temsil ediyor. yeni bir anlayışa ulaşıyor: sanat çok kişisel bir şeydir, izleyiciyle iletişim kurmak için fazla alana ihtiyaç duymaz. Özünde, yeni galeri, tıpkı bir Japon evindeki gibi, benzersiz bir eserin önünde oturabileceğiniz, bakabileceğiniz, düşünebileceğiniz ve onunla yaşayabileceğiniz bir meditasyon odasıdır.

Fotoğrafta soyutlama, kişisel, yavaş ya da ani, fırtına gibi, anlamın derinliklerine nüfuz etme yoludur. Bu sadece bir yüzeyin (nesnenin) fotoğraflanmış bir parçası değil, sadece bir ışık kaydı değil. Bu bir deneyim. Ve fotoğrafçı ile izleyici arasındaki işbirliği.

Biçimsel kompozisyon denemeleri bile, örneğin “dönen bir kompozisyon” arayışı (üst veya altın olmadığı, her şeyin hem dikey hem de yatay olarak çalışacak kadar dengeli olduğu - yeni resimli baskı için bir tür ideal kompozisyon çözümü) Sovyet fotoğraf avangardının klasiği Eleazar Langman'a göre, hem kompozisyonu bulan hem de kendisi için bulunan kişi için "göz becerisi" gerekiyor. Genel olarak, Alexander Aleksandrovich Slyusarev'in soyutlamalarından özel olarak ve acele etmeden bahsetmek gerekiyor, o kadar çok "koan" parçacığı toplamayı başardı ki.

Farklı izleyiciler için farklı sanat. Elbette soyut sanat çoğunlukla yalnızca dış dünyanın deneyimlerine aşina olanların değil, entelektüellerin, fikirleri bilen izleyicilerin sanatı olarak sunulur.

Bunu başka bir şekilde de söyleyebilirsiniz: soyutlama, yazan birçok insandır. Yazan insanlar ile edebiyat merkezli insanlar arasındaki farkı vurgulamak istiyorum. İlki, işaretleri algılamaya, bireysel işaretleri sembolik veya tarihsel derinliklerine kadar okumaya ve yeni bir yazı yaratmaya hazırdır; aslında soyut sanat (soyut fotoğraf) sanatçılarının yaptığı da budur, her biri kendi yazısını geliştirir. İkincisi, edebiyat merkezli olanlar, olay örgüsünü algılarlar, eserin anlamını genişletilmiş bir ifadeyle anlarlar; onlara göre gösterge bir sistemin parçasıdır, ancak bir “anlamlar kuyusu” değildir. Bu, edebiyatçılarla edebiyatçılar arasında aşılamaz bir farklılık sınırı olduğu anlamına gelmez. psikolojik tipler kişilik. Her şey değişebilir ve edebiyat kalıntılarının pembe dizileri üzerinde büyüyen bir kişi, soyutlamanın şimşeklerine çarpabilir ve daha önce kendisine yabancı olan bir öğretinin taraftarı haline gelebilir.

1 Medya için fotoğrafçılıktan (medya fotoğrafçılığı) değil, fotoğraf medyasından veya ortamdan bahsediyoruz - bir araç olarak fotoğraf ve bir ifade biçimi olarak fotoğraf kavramının bütünlüğünden (hem yazarın hem de tüm dönemin) .
2 Bu, 1835'te Henry Fox Talbot tarafından çekilen (Lacock Manastırı'ndaki Parmaklıklı Pencere) hayatta kalan ilk görüntüye atıfta bulunmaktadır ve şu anda Büyük Britanya'daki Ulusal Fotoğraf, Film ve Televizyon Müzesi'nde (NMT) muhafaza edilmektedir.
3 İşaretler - işaretin biçimi ve işaretin doğasında var olan gizli anlamın doluluğu için çabalamak.
4 "Soyutlama" fikrinin zaten "havada" olduğunun, Kandinsky tarafından "icat edilmediğinin", ancak onun tarafından kavrandığının kanıtı, yirminci yüzyılın ikinci yarısında aralarında bir savaşın olduğu gerçeğidir. tarihçiler ve Litvanyalı sanatçı Mikalojus Ciurlionis ve Wassily Kandinsky'nin mirasçıları, sanat anlayışında "soyutlama" teriminin kullanımında öncelik hakkı için.
5 Platformda doğan yeni sanat türlerini kastediyorum modern teknolojiler son yarım yüzyılda.
6 "Sadık Eğitimli Göz için Gerçek Hazine Evi", Çin Budist edebiyatının bir anıtı, Eihei Dohui tarafından, 12. yüzyıl.

17.10.2015

Soyut fotoğrafçılık benzersiz bir sanat türüdür; şeyleri pek çok kişinin bildiği alışılagelmiş anlamda değil, beklenmedik renkler, şekiller ve çizgilerle gösterir. Fotoğrafçı stereotipleri soyutlamalı, farklı bir gerçeklik göstermeli, ancak o zaman fotoğraftaki nesneleri soyutlama açısından somutlaştırabilecektir.

Nesnenin kendisini değil, daha çok renk ve şekli gördüğümüz için, bu tür fotoğraflara bakarken mantık çok daha az karışır. Soyut fotoğrafçılık fotoğrafa, kompozisyonuna, çerçeve yapısına farklı bakmanızı sağlar. Ve eğer yeterince iyiyse, izleyicinin davranışını ve ruh halini etkileyen olumlu ve parlak duygular uyandırır.

Renk, çizgi, şekil gibi unsurlara odaklanan böyle bir fotoğraf ruhumuzu etkiler. Örneğin sinir sistemimizin farklı renkteki nesnelere ve bunların kombinasyonlarına farklı tepkiler verdiğini söyleyebiliriz. Ancak soyut fotoğraf her zaman şekilsiz ve tanınmayan bir fotoğraf değildir. Çoğu zaman fotoğrafçılar tanıdık nesneleri veya bunların parçalarını tasvir ederler.

Soyut fotoğrafçılıktan daha az çekici olmayan birçok yön vardır. Ancak şekillerin ve çizgilerin güzelliğine ve pürüzsüzlüğüne ek olarak soyut çerçeveler, "düşünceli" fotoğrafçılar arasında çok kullanışlı ve popülerdir. Soyut fotoğraf her yerde çekilebilir ve uzun yolculuklar gerektirmez. karmaşık inşaatçerçeve kompozisyonu.

Çizgilere veya şekillerin yanı sıra renklerin oyununa dayanan fotoğraf soyutlaması, çeşitli fotoğrafik yönlerin anlaşılmasını gerektirmez.

Çevredeki dünyada ilginç bir şekil alabilen ve bir kompozisyonun temeli olabilecek pek çok nesne var. Çizgiler ve renkli resimler de onu tamamlayacak şekilde tasarlandı. Gerçekten ilginç fotoğraf soyutlaması her zaman iyi ve güzel bir formla başlar. Çoğu yerde bulmak zor değil farklı konular, hoş ve dinamik. Burada belirli bir kriter yok.

Fotoğrafçıda belli bir duyguyu uyandırabilen bir form, izleyicide de aynı duyguyu uyandıracaktır.

Kişinin dikkatini çeken ve onu etkileyen rengin rolü de önemlidir. gergin sistem heyecan verici. Fotoğraf soyutlaması oluşturmak için fotoğrafçılar genellikle en canlı ve derin renkli tabloyu elde etmek için grafik editörlerine başvururlar.

Benzersiz bir fotoğraf oluşturmanın bir başka eğlenceli yolu da kontrasttır. İlginç ama bazen en sıradan fotoğraf tam da kontrastından dolayı dikkat çekiyor.

Photoabstract, yalnızca biçimi nedeniyle değil aynı zamanda çizgileri nedeniyle de genellikle ilgi çekicidir. Göz hareketini kontrol ederler. Çizgilere çeşitli şekillerde başvurabilirsiniz ve bunlardan ilki, çizgileri çerçevenin görsel merkezine (ihtiyacımız olan nesnenin bulunduğu yere) doğru yönlendirmektir.

Bir diğer yöntem ise tam tersine onları merkeze yönlendirmek değil, fotoğrafın tamamına çekmektir. Çizgiler fotoğrafın analizini gerektirir ve görsel bir merkez yoksa dikkatimiz görüntü boyunca sonsuza dek dolaşabilir.

Ancak kompozisyonun ana kurallarına uymak gerekir. Kompozisyon ne kadar orijinal olursa fotoğrafımız da o kadar muhteşem görünecektir. Aynı zamanda soyut bir fotoğraf belirli bir anlam taşımanın yanı sıra kavramsal da olabilir. Yazarın dünyasına ilişkin belirli bir kavramın ifade edilmesi.

Sitedeki ilginç yayınlar